NINA

"NINA" é um tributo à vida de Eunice Kathleen Waymon, cantora, pianista, escritora e ativista dos direitos civis, amplamente reconhecida como Nina Simone. Total de 8 apresentações, sendo 4 apresentações emSão Paulo e 4 emSalvador.

NA ORIGEM DE NINA: UM CONCERTO Em 1976, Nina Simone realizou um concerto memorável no Festival de Jazz de Montreux, na Suíça—uma performance amplamente aclamada que está facilmente acessível no YouTube. Durante este concerto, a icônica musicista demonstrou um desejo irresistível de se conectar com o público, rompendo as barreiras do ritual típico de um concerto. Sentada ao piano, Simone frequentemente começava a tocar, apenas para se interromper e interagir diretamente com o público sem filtros. Ela deixava o banco do piano, atravessava o palco, voltava ao piano, iniciava o canto, se interrompia novamente, mergulhava na dança, expondo suas emoções em um estado de transe e graça especial. Em NINA, partimos desse momento preciso, do incrível espaço de liberdade que ela forjou durante seu concerto. Mergulhamos em seu mundo íntimo, explorando seus pensamentos políticos, as feridas dos seus últimos anos, sua raiva, dor, energia e amargura. Esta jornada incorpora reconstruções musicais de suas canções, transitando suavemente do engajamento direto com o público para momentos suspensos de pura música.

A premiada soprano e artista americana, Claron McFadden, cria um retrato mimético abrangente da artista Nina Simone. Utilizando-se de documentos de áudio de entrevistas de rádio e televisão, bem como discursos públicos, McFadden emprega a técnica de heterodireção (atuação remota), um elemento crucial na poética de Fanny & Alexander. Através desta técnica, McFadden mergulha na voz de Simone, testemunhando as diversas manifestações da força de seu caráter e espírito criativo. Esta jornada abrange os momentos mais proeminentes da trajetória de Simone, desde a tensão poética até sua defesa pelos direitos das mulheres e dos afro-americanos, desnudando suas vulnerabilidades e feridas mais íntimas. Este trabalho faz parte de uma série de retratos miméticos criados pela companhia Fanny & Alexander, apresentando figuras proeminentes de nosso passado recente: escritores, artistas e filósofos que deixaram obras e palavras que continuam a ressoar com significado e urgência hoje. O que une essas figuras é a abundância de entrevistas que realizaram, muitas das quais foram transmitidas no rádio ou televisão. Essas gravações agora são documentos notáveis, oferecendo um vislumbre do pensamento e da arte desses indivíduos excepcionais.

Todos nós estamos cientes de que a voz serve como nossa 'impressão digital' sonora, com nenhuma duas vozes sendo idênticas. No 'selo' de uma voz, podemos descobrir uma riqueza de informações confidenciais sobre a alma e a vida de seu proprietário. "Recentemente houve um artigo no New York Times sobre Lorraine Hansberry e uma peça no centro de Broadway chamada To be young, gifted in black produzida por ela e havia uma foto dela lá… e era uma foto que eu já vi muitas vezes antes… mas a fotografia, como você sabe, tem sua própria maneira de comunicar, assim como todos os memes… e tudo o que posso dizer é que essa foto me pegou… e nos olhos dela isso vai parecer muito estranho, mas não para pessoas que são realmente antenadas… hmmm… ela continuava tentando me dizer algo… eu estava sentada sentada na cama e eu me lembro nitidamente dizendo que continuaria olhando para a foto e continuaria olhando para a foto e é claro que a lembrança de estar com ela muitas vezes continuava voltando inundando minha memória mas eu disse e eu me lembro que a inspiração é uma coisa muito estranha, às vezes acontece como uma luz e eu me lembro de ter uma sensação no meu corpo e eu disse isso é ser jovem talentoso e negro é isso…" [Fragmento de uma entrevista de Nina Simone (transcrição)] A HETERODIREÇÃO A técnica da heterodireção se esforça para conectar um intérprete com a riqueza deste tesouro no momento presente. O intérprete veste fones de ouvido, ouvindo a voz original gravada durante a performance e reproduzindo-a simultaneamente por meio de imitação. Esta condição aparentemente distópica—onde o tempo da performance se alinha com o ritmo da gravação nos ouvidos—liberta o intérprete de quaisquer pensamentos relacionados à memória, permitindo-lhe canalizar toda sua energia para essa reencenação. A voz original se transforma em um timbre, uma vestimenta de alma a ser usada. O intérprete deve criar espaço para o encontro com essa entidade estrangeira que passa por ele e ressoa dentro dele, exigindo uma concentração particular reminiscente da meditação. Ao longo dos ensaios, o intérprete mergulha em vídeos, estuda fotos e explora a proxêmica da pessoa que ele pretende incorporar. Durante a performance, esses elementos surgem como memórias instintivas que se manifestam em seu corpo e em seu rosto. É um processo lento, potente e quase mágico de sobreposição. Em vez de ler um livro, o intérprete é 'lido' por uma voz que reage dentro de seu corpo, semelhante a um processo químico. Ele se torna uma 'antena' capturando um tempo do passado e transmitindo-o para o presente. O resultado são frases tão vibrantes que parecem faladas pela primeira vez, ressoando como palavras de hoje no tempo presente. Nesta interpretação, nada deve filtrar uma experiência passada; ao invés disso, o intérprete se torna seu gravador contemporâneo.

não se aplica

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Os teatros que serão escolhidos para a apresentação do espetáculo, deverão atender toda a norma de acessibilidade e as exigências da Convenção sobre os Direitos das Pessoas com Deficiência, promulgada pelo Decreto no 6.949, de 25 de agosto de 2009 de forma a garantir, priorizar e facilitar o livre acesso de idosos e portadores de necessidades especiais e mobilidade reduzida, garantindo o pleno exercício de seus direitos culturais. O Teatro também terá que atender ao disposto no art. 27, inciso II, do Decreto 5.761/06, que diz “proporcionar condições de acessibilidade a pessoas idosas”, nos termos do art. 23, da Lei nº 10.741, de 1º de outubro de 2003, e portadoras de deficiência, conforme o disposto no art. 46, do Decreto 3298, de 20 de dezembro de 1999”. A acessibilidade faz hoje parte das condições essenciais para o desenvolvimento e inclusão social. Todas as sessões contarão com intérprete em libras durante a temporada toda a circulação. Conforme a Lei nº 13.146, de 2015 e Decreto nº 9.404, de 2018, prevemos para todo o público as seguintes medidas: ESPETÁCULO DE ARTES CÊNICAS Acessibilidade física: A garantia de que todo e qualquer espaço por onde o espetáculo passar, terá que obrigatoriamente estar equipado com rampas de acesso, lugares para cadeirantes, e outras medidas obrigatórias que permitam o acesso de pessoas com mobilidade reduzida. Acessibilidade para deficientes auditivo: Todas as sessões terá intérprete de libras.

Os ingressos serão distribuídos da seguinte forma: 20% dos ingressos serão DOADOS exclusivamente para instituições de caráter social e educativo. 10% dos ingressos serão distribuídos GRATUITAMENTE aos patrocinadores 10% dos ingressos serão distribuídos GRATUITAMENTE para a divulgação; 20% dos ingressos serão VENDIDOS A PREÇOS POPULARES 40% dos ingressos serão comercializados livremente pelo proponente ***CONFORME ESPECIFICADO NO PLANO DE DISTRIBUIÇÃO. - Outras medidas de distribuição de acesso: - realizar gratuitamente 2 oficinas de dramaturgia

A proponente, fará a direção de produção do projeto. A empresa Substância Produções Artísticas foi fundada em 2008 por Rachel Brumana, produtora e curadora atuante no campo da produção nacional e internacional de teatro, dança, música e artes visuais. Atua na produção de projetos nacionais e internacionais desde 2008, inspirados e focados nas expressões das artes cênicas contemporâneas, na colaboração e no ativismo, na liberdade de expressão, nas pautas ambientais e dos direitos humanos. Na área da produção e gestão, coordenou a produção do Festival Música Estranha – Mostra Internacional de Música Exploratória em 2015 e 2016. Desde 2016, coordena a produção da Mostra Internacional de Teatro de São Paulo MITsp. Colabora também com os Festivais Mirada e Bienal de Dança do Sesc como produtora convidada. Entre 2012 e 2022, realiza a direção de produção de dezenas de espetáculos internacionais de teatro, dança e música inéditos no Brasil, como Him, West e Emerald City - Trilogia O|Z da cia Fanny&Alexander (Itália), Amarillo do Teatro Linea de Sombra (México), (M)imosa – Paris is Burning at the Judson Church, de Trajal Harell, El vientre de la Ballena da cia Teatro Petra (Colômbia), El Jardin de Cilezos do Teatro Camino (Chile), The rape of Lucrece com a Royal Shakespeare (Inglaterra), Sonata de Outono de I. Bergman direção de Daniel Veronese (Argentina), do evento Fin la la la! – Life in Bytom, Executed Stories, Parasitic Furniture, Perfect Shipwreck Tour e Artronomer (Brasil|Finlandia), Le sorelle Macaluso de Emma Dante, na MITsp (Italia), Revue of Fire, da Cia Teatr Cinema (Polônia), Criação da cia. Reflektion (Dinamarca), Familia Museo de Ariel Zagarese (Argentina), Villa de Guilllermo Calderón (Chile), Psico|Embutidos com Compañia Titular de Teatro da Universidade de Veracruz e direção Richard Viqueira (México), Na solidão dos campos de algodão com direção Radoslaw Rychcik (Polônia), FOLK-s will you still love me tomorrow? de Alessandro Sciarroni (Itália), Souvenir Asiatico (Los Animistas, Colômbia), NIMBY (Colectivo Zoologico – Chile), DRAGON (Guillermo Calderón, Chile), entre outros. Produziu os espetáculos Só (premio Shell melhor ator João Miguel), Babel (textos de Letizia Russo) e Psicotrópico, dirigidos por Alvise Camozzi e as mostras Kasato Maru - Permanência no Olhar e Grimm Agreste. Realizou a direção de produção do projeto Marcha a Ré, do Teatro da Vertigem e Nuno Ramos e A Extinção é para sempre, do mesmo artista, e a curadoria da Mostra SCENA - Semana da Cena Italiana Contemporânea em São Paulo. Luigi De Angelis é diretor, cenógrafo, criador de iluminação e vídeo, bem como compositor de música eletroacústica. Em 1992, cofundou a companhia Fanny & Alexander com Chiara Lagani. Suas direções e ideias sempre se baseiam na relação entre música, espaço sonoro e espaço cênico, inspirando-se nas artes visuais e no repertório da música contemporânea. Em 2015, em colaboração com Sergio Policicchio, criou um concerto/performance dedicado ao compositor Giacinto Scelsi, intitulado "In Nomine Lucis," no deSingel em Antuérpia, Bélgica. Ele foi responsável pelo design de iluminação e pelas composições eletrônicas do projeto. "In Nomine Lucis" também foi apresentado em 2017 no Festival Internacional de Buenos Aires no Teatro Colón. Em 2015, dirigiu "Die Zauberflöte" de Mozart no Teatro Comunale de Bolonha, supervisionando o design de cenário e a iluminação da performance também. Em 2017, Luigi De Angelis foi responsável pelo design, direção e iluminação da performance "Zmeya", inspirada na vida de Sergei Diaghilev, com o Solistenensemble Kaleidoskop de Berlim. Este projeto foi comissionado pelo Klarafestival e produzido em colaboração com o Concertgebouw em Bruges e o deSingel em Antuérpia. A performance foi restageada em Berlim em 2018 no Radialsystem e fez sua estreia na Itália no Festival Romaeuropa com o novo título "Serge". Em 2017, Luigi De Angelis dirigiu uma versão especial de “L'Orfeo” de Monteverdi, intitulada "Orfeo Viajero", no deSingel em Antuérpia. A produção contou com jovens solistas e músicos da Summer School of MuziekTheater Transparant, sob a direção do diretor Hernan Schvartzman. No verão de 2018, ele dirigiu, encenou e forneceu a iluminação para "Les Indes Galantes" de Rameau, novamente no deSingel. A produção contou com jovens solistas e músicos da Summer School of MuziekTheater Transparant, sob a orientação do diretor e cravista Korneel Bernolet. Em 2019, Luigi De Angelis foi responsável pela direção, design de cenário, vídeo e iluminação para "L'Orfeo" de Monteverdi no Teatro Ponchielli em Cremona. Em 2020, seu projeto de instalação de vídeo, iluminação e direção para "Passion selon Saint Jean" de Scarlatti estreou no Klarafestival na Bélgica com o B'Rock Ensemble. Em 2021, Luigi De Angelis dirigiu, desenhou os cenários e cuidou da iluminação para "A.L.I.C.E.," um projeto de teatro musical do Muziektheater Transparant, realizado no deSingel. Subsequentemente, estreou no Festival Romaeuropa com um políptico de vídeo/concerto intitulado "The Garden", com Claron McFadden e Emanuele Wiltsch Barberio. Em outubro de 2021, dirigiu, desenhou os cenários, criou os vídeos e geriu a iluminação para "L'Isola Disabitata" de Joseph Haydn no Teatro Alighieri em Ravena. Esta produção foi reprisada com um novo elenco na Opéra de Dijon em novembro de 2021. Em junho de 2022, Luigi De Angelis dirigiu, desenhou os cenários, criou os vídeos e geriu a iluminação para "Il ritorno di Ulisse in Patria" de Claudio Monteverdi no Teatro Ponchielli em Cremona. Em novembro de 2022, dirigiu, desenhou os cenários, criou os vídeos e geriu a iluminação para "Lohengrin" de Richard Wagner no Teatro Comunale em Bolonha. Em março de 2023, dirigiu, desenhou os cenários e cuidou da iluminação para "Il Barbiere di Siviglia" de Gioachino Rossini, com direção musical de Giulio Cilona, apresentada no Teatro Sociale em Rovigo, no Teatro Alighieri em Ravena e no Teatro Verdi em Pisa. Claron McFadden é uma soprano conhecida tanto no mundo da música barroca quanto da música contemporânea. Ela estudou na Eastman School of Music em Rochester, Nova York, e trabalhou com maestros como Sir Andrew Davis, Frans Brüggen e William Christie. Interpretou o papel principal de Lulu em Glyndebourne e Zerbinetta em "Arianna a Naxos" na English National Opera. Também se apresentou nas óperas de Handel em numerosas casas de ópera e festivais internacionais, incluindo o papel principal de Semele em Rotterdam. Claron McFadden gosta de participar de projetos interdisciplinares que cruzam várias disciplinas artísticas, colaborando com artistas como Alain Platel (na ópera "Pitié") e a David Kweksilber Big Band. Além disso, colaborou com o Muziektheater Transparant em Antuérpia em diversos projetos nos últimos anos. Em 2006, recebeu o Prêmio de Amsterdã para as Artes e foi indicada para o Grammy Awards. Claron McFadden é reconhecida como uma das principais intérpretes de música contemporânea e teve a honra de estrear obras de compositores como Michel van der Aa, Wolfgang Rihm e Joerg Widman. Graças à sua versatilidade vocal, ela é frequentemente convidada para colaborar com músicos de jazz como Henk Meutgeert e a Jazz Orchestra of The Concertgebouw, Michiel Borstlap, Chris Hinze e Aka Moon. Sua palestra TED sobre a Aria de John Cage em 2010 foi selecionada para publicação no prestigiado site TED. Claron McFadden também é artista residente no Muziektheater Transparant em Antuérpia, onde criou projetos interdisciplinares pessoais, incluindo "Lilith" em 2012, "Segredos" em 2015, "Nightshade: Aubergine" em 2017 e mais recentemente "Façade: Os Últimos Dias de Mata-Hari" em 2017 em colaboração com Jean Lacornerie. Fanny & Alexander é uma companhia fundada em Ravenna em 1992 por Luigi de Angelis (diretor, cenógrafo e iluminador) e Chiara Lagani (dramaturga, autora e atriz). Fanny & Alexander cria produções que resultam da fusão de diversos idiomas artísticos, incluindo teatro, artes visuais, música, cinema e literatura. A companhia produz espetáculos teatrais, performances ao vivo, óperas e instalações, envolvendo uma rede em constante evolução de artistas de diversas disciplinas. Sua interação no palco e fora dele leva a uma reflexão sobre as relações entre tradição e novas tecnologias. Entre seus projetos teatrais mais recentes estão "Storia di un’amicizia", a adaptação teatral da tetralogia de Elena Ferrante, "Se questo è Levi", "Sylvie e Bruno", "Manson" e "Nina". Em 2019, a Fanny & Alexander recebeu o Prêmio Especial Ubu, enquanto Andrea Argentieri recebeu o Prêmio Ubu de Melhor Ator com menos de 35 anos por "Se questo è Levi".

PROJETO ARQUIVADO.